🍰 올해 가장 비싸게 팔린 NFT 작품 총정리!

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[예술계 핫이슈]

2021년 가장 비싸게 팔린 NFT 작품 Top 10

$3.8 million(약 46억원), SuperRare
XCOPY는 2018년부터 NFT아트를 도입했던 선구자 중 한 명입니다. Cozomo de’ Medici라는 컬렉터가 이 작품을 구입했는데요. Cozomo de’ Medici는 미국의 유명 래퍼인 스눕 독으로 추정된다고 하네요.

9위. Mad Dog Jones, Replicator (클릭)
$4.1 million(약 49억원), April 2021, Phillips
디지털 아트 시장이 커지면서 필립스 같은 기존의 옥션하우스들도 NFT아트 거래에 뛰었습니다. 사무실의 커다란 복사기를 그린 작품인데, 무한복제가 가능한 디지털 아트를 상징한 것일까요? 디지털 아트도 복사가 가능하다는 것을 생각하면 재미있는 은유가 아닌가 싶어요. 이 작품이 낙찰되면서 Mad Dog Jones는 캐나다에서 가장 비싸게 팔린 생존 작가로 등극했습니다.

8위. Edward Snowden, Stay Free (Edward Snowden) (클릭)
$5.4 million(약 65억원), April 2021, Foundation
맞습니다, Edward Snowden은 미국 국가안보국의 내부고발자로 국제 뉴스에 많이 오르내렸던 바로 그 인물입니다. 자신이 폭로했던 국가안보국의 감시 프로그램이 위법이라는 미국 법원의 판결문 위에 본인 얼굴 실루엣을 더한 것을 NFT 아트로 만든 것입니다.

7위. freeross, Ross Ulbricht Genesis Collection (클릭)
$5.93 million(약 70억원), SuperRare, December 2021
Ross Ulbricht는 Silk Road라는 다크넷(폐쇄형/익명형 P2P 사이트) 마켓을 운영한 인물로 자금세탁, 해킹 등 불법 행위를 한 행위로 현재 복역중입니다. 그런데 본인의 석방과 가족의 생계를 위해 자신의 글과 그림을 NFT화해서 판매한 것입니다. 이 컬렉션은 Ross Ulbricht의 석방을 위한 단체에서 낙찰 받았습니다. 이를 위해 약 4천여명이 약 140억원을 모금을 했는데, 모금에 참여한 금액만큼 NFT 토큰을 조각 수령한다고 합니다.

6위. XCOPY, A Coin for the Ferryman (클릭)
$6 million(약 71억원), SuperRare, November 2021
XCOPY가 제작한 최초의 NFT 작품 중 하나입니다. 이 작품은 수퍼레어 유저 중 한 명이 구매했는데, 구매 가격은 고작 $139(약 16만원)이었다고 합니다.

5위. Beeple, Ocean Front (클릭)
$6 million(약 71억원), Nifty Gateway, March 2021
기후 변화 위기를 다룬 디지털 회화 작품입니다. 암호화폐 기업가로 유명한 Justin Sun이 낙찰 받았는데, 그는 Beeple의 그 유명한 ‘Everydays’ 낙찰에서 아쉽게 고배를 마신 전적을 가지고 있습니다.

4위. XCOPY, Right-click and Save As guy (클릭)
$6.57 million(약 78억원), December 2021, SuperRare
또 XCOPY 작품입니다. 작가는 이 작품을 트위터에 올려 공유했다고도 합니다.

3위. Beeple, Crossroads (클릭)
$6.6 million(약 78억원), February 2021, Nifty Gateway
이 작품은 미 대선과 연관이 있습니다. Joe Biden이 대선에서 승리한 후, Donald Trump 전 대통령이 길가에 쓰러져 있는 모습을 그린 것입니다. 쓰러진 그의 모습 위에 트위터를 연상하게 하는 파랑새도 그려져 있습니다.

2위. Beeple, HUMAN ONE (클릭)
$29.8 million(약 354억원), November 2021, Christie’s
우주복을 입은 사람이 걷는 동작을 계속해서 보여주는 영상 작품입니다. 1분짜리 클립이 계속 바뀌면서 연속적으로 상영됩니다. 작가는 이 작품을 평생동안 계속 업데이트할 예정이라고 합니다. 이 작품 역시 암호화폐로 부를 쌓은 스위스 컬렉터에게 돌아갔습니다.

1위. Beeple, Everydays—The First 5000 Days (클릭)
$69 million(약 819억원), March 2021, Christie’s
원래부터 유명한 크립토 아트 작가였던 Beeple이 2007년부터 제작해왔던 데일리 아트 프로젝트의 5000개 작품을 콜라쥬한 작품입니다. 지난 3월 크리스티를 통해 $100(약 12만원)로 시작된 경매였는데 무려 $6,900만(819억원)라는 어마어마한 금액으로 낙찰되었습니다.

기사 원문

[10분 미술사]

16세기 초 – 르네상스의 꽃이 피다

이탈리아 사람들은 16세기를 친퀘첸토(Cinquecento, 500이라는 뜻)라고 불렀습니다. 이 친퀘첸토의 초반은 이탈리아뿐만 아니라 미술 역사 전체에서도 아주 중요한 시기였습니다. 바로 르네상스의 전성기였기 때문입니다.

레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로, 티치아노, 뒤러, 홀바인 등 이 시대에 활동했던 예술가들의 이름만 들어봐도 이 시대가 얼마나 눈부셨을지 가늠이 됩니다. 그런데 어째서 이런 천재들이 동시에 등장할 수 있었던 걸까요?

이탈리아는 도시국가였습니다. 당시 각 도시들은 훌륭한 예술가를 보유했다는 것을 매우 자랑스러워했고, 위대한 예술가를 먼저 모시기 위해 경쟁했습니다. 이 같은 분위기는 예술가들에게 긍정적인 자극이 되었고 옆 도시 예술가보다 더 좋은 평가를 받기 위해 노력했습니다. 그 결과 원근법, 수학, 해부학 등을 연구하면서 시야를 넓히고 미술을 점점 더 발전시킬 수 있었습니다.

이들은 더 이상 주문에 따라 그림을 그리고 납품하는 장인이 아니었습니다. 자연을 관찰하고 연구하는 지식인이 된 것이죠. 하지만 이들의 사회적 대우는 좋지 못했습니다. 시인이나 학자들과는 달리 화가나 조각가들은 귀족의 식사 자리에 초대받을 수 없었죠.

그런데 예술가들을 후원하던 후원자들을 통해 이러한 상황이 변화하기 시작합니다. 많은 예술 후원자들은 자신의 명예를 더 높이길 원했습니다. 당시 명예를 높이는 가장 확실한 방법은 훌륭한 건물을 짓거나, 대규모 프레스코화의 제작을 의뢰하거나, 유명한 교회의 제단화에 쓰일 그림을 그려 봉헌하는 것이었습니다.

그러다보니 예술 거장들을 모시려고 서로 경쟁하시 시작한 것입니다. 공급보다 수요가 더 많은 상황이 된 것이죠. 그러니 예술가들이 주도권을 갖고 주문을 선택하고 자유롭게 작품을 만들어낼 수 있었습니다. 이렇게 자유를 누리면서 그 동안 응축되었던 에너지들이 한꺼번에 방출된거죠. 이렇게 16세기 초 르네상스의 전성기가 만들어지게 된 것입니다.

[예술적 책읽기]

월간 디자인 11월호 - 정구호 크리에이티브 디렉터 인터뷰

최근 들어 공예와 디자인, 순수 미술의 경계가 모호해지고 활용도가 강조됐던 공예 역시 오브제로서의 가치가 높아지는 추세예요. 미술관과 갤러리 역시 공예와 순수 미술을 분리하지 않고 예술품으로서 공예의 가치를 인정하고 있습니다. 이런 경향에 걸맞게 공예를 아트 오브제로 바라보는 기획으로 공예, 디자인, 순수 미술의 경계를 넘나드는 분들을 (공예트렌드페어에) 모셨습니다. 공예트렌드페어가 글로벌 행사로 성장하려면 우리 것을 지켜나가는 것도 중요하지만 해외의 트렌드도 받아들이면서 배워야 한다고 봅니다. 한 광장에서 함께 전시하면서 서로에게 영향을 줄 수 있어야죠.

개별 작품 하나하나의 커뮤니케이션도 있지만, 공간이 주는 커뮤니케이션이 따로 있잖아요. 작품 하나하나가 다 중요하지만, 주제로서의 덩어리감도 중요합니다. 전시 자체가 하나의 쇼케이스로서 트렌드를 제안할 수 있어야 하고요. 이를 위해 통일감을 준 거죠.

(장석장들과 함께 작품을 제작한 〈백골동〉전시 관련하여) 가구가 아니라 오브제로서 반닫이를 제안하고 싶었어요. 가구는 쓰다 버릴 수도 있지만 오브제는 보관하는 거잖아요. 앞으로도 계속해서 플라스틱 같은 맨메이드 소재가 나올 텐데, 인공적인 재료라고 가치가 없다고 하는 것은 말이 안 되죠. 시대에 따라 소재의 가치도 변화하는 것 아닐까요?
(리움미술관의 고미술품 전시관 관련) 국보급이 아니어도 좀 더 편안하게 다가갈 수 있는 유물을 활용해서 재미있는 디스플레이를 시도해봤어요. 청자 그릇을 그대로 보여주기보다는 공중에 띄워서 연출했죠. 그랬더니 순식간에 포토존이 되었어요. 저는 이런 식으로 유물의 가치보다는 예술 정신을 공유하는 게 더 중요하다고 봐요.

오랫동안 공예는 장인 정신으로 직접 만드는 웰메이드의 가치를 중요하게 여겼지만 지금은 아이디어가 더욱 중요해졌어요. 앤디 워홀의 팩토리나 데이미언 허스트처럼 아티스트가 아이디어를 내고 그걸 만드는 사람이 따로 있는 경우도 있잖아요. 처음부터 끝까지 직접 만드는 장인 정신도 중요하지만 작가의 철학도 중요한 시대예요. 요즘은 아이디어와 기술을 분리할 수 있기 때문에 콘셉추얼한 아이디어의 작업을 직접 하지 않아도 실현할 수 있어요. 저는 이런 융복합도 공예라고 생각합니다. 시대에 맞게 공예의 정의도 바뀌어야죠.

헤리티지가 있는 물건은 그 나라의 정신을 담고 있어 중요합니다. 하지만 문화를 넘나들며 만들어지는 새로운 오브제 역시 현대적 의미의 유물이 될 수 있다고 봐요. 메타버스 시대에는 나라의 경계도 제약도 없어집니다. 지역적인 경계보다는 어떤 철학을 갖고 만들었는지를 더욱 따지게 되겠죠. 커다란 의미의 공예는 문화와 경계를 뛰어넘는 것 아닐까 싶어요.

공예의 인기는 생활수준에 비례합니다. 의식주 순으로 생활수준이 높아지면서 집 안에서 쓰는 물건 하나하나의 가치를 따지기 시작한 거죠. 공장에서 대량생산으로 찍어낸 물건보다는 단 하나를 갖더라도 애착 가는 물건에 집착하게 되는 것은 당연한 일이죠.

집에 공산품이 거의 없어요. 내가 사용하는 모든 물건이 일회용이 아니라 오래도록 사용할 수 있는 의미 있는 프로덕트라면 쉽게 버리지 않을 것이고 대대로 물려주기도 할 거예요. 그래서 재활용이 가능한 소재를 사용하는 게 중요한 게 아니라 오래 쓸 수 있는 좋은 물건을 잘 고르는 게 더 중요하죠. 이런 것이 지속 가능하고 친환경적인 태도 아닐까요?

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