맥화랑은 1998년생 박영환 작가의 개인전 《Immaterial: What Remains》를 2월 28일부터 3월 28일까지 개최한다. 부산대학교에서 한국화를 전공한 작가는 먹과 한지를 기반으로 한 회화를 통해 감정과 기억, 시간의 층위를 탐구해왔다. 박영환 작가는 2024년 <맥화랑미술상(신진,청년작가지원전)>의 여덟 번째 수상자로 2024 맥화랑 개인전  《흰》 이후 맥화랑에서 선보이는 두 번째 개인전이다. 이번 전시에서는 회화와 도판 작업 신작 17점을 선보이며, 사라짐 이후에도 완전히 소멸하지 않고 남아 있는 감각과 상태에 대한 질문을 제기한다.

작가의 화면에 등장하는 검은 구체는 현재의 경험과 감정, 사건을 응축한 조형적 단위다. 산수나 건축적 공간 속에 이질적으로 배치된 이 형상은 재현적 풍경의 질서를 교란하며, 색이 옅어질수록 휘발되어가는 기억과 감정의 상태를 드러낸다. 먹의 번짐과 스밈, 축적과 소거의 가능성은 작가가 주목하는 ‘비물질성(immaterial)’의 감각과 맞닿아 있으며, 화면은 사물을 묘사하기보다 시간이 머무는 밀도를 시각화하는 장이 된다.

이번 전시는 작가가 스스로 전환기로 인식하는 시점에서 펼쳐진다. 회화를 기반으로 퍼포먼스를 병행해온 그의 작업은 결과로서의 이미지보다 과정으로서의 시간에 주목해왔으며, 이번에 선보이는 도판 작업 역시 불이라는 사건을 통과하며 감정과 기억의 잔존 방식을 또 다른 차원으로 확장한다. 《Immaterial: What Remains》는 형태가 아닌, 형태 이후에 남는 것에 대한 사유를 통해 젊은 작가가 자신의 조형 언어를 다시 질문하는 현재진행형의 지점을 보여준다.

작가는 그동안 회화 작업을 기반으로 퍼포먼스를 병행해왔다. 화면에서 출발한 몸의 움직임은 회화의 행위를 시간 속으로 확장시키는 방식이었다. 그의 회화는 분명 수행적 감각이 잠재해 있다. 먹을 올리고, 덧입히고, 지워내는 반복적 행위는 결과로서의 이미지보다 과정으로서의 시간을 드러낸다. 회화는 완결된 오브제가 아니라, 사건이 지나간 자리에서 여전히 진동하는 상태로 남는다.

이번 전시에서 함께 선보이는 도판 작업은 이러한 작가의 관심을 또 다른 차원으로 확장한다. 도자기 판 위에 그려지고, 불을 거쳐 굳어지는 과정은 시간과 물질의 관계를 다시 한 번 환기한다. 불이라는 사건을 통과한 표면은 고정된 듯 보이지만, 그 안에는 여전히 번짐과 응축의 흔적이 남아 있다. 사라질 것 같던 감정은 다른 형태로 전이되고, 휘발된 기억은 표면 아래에 잔존한다.

작가는 지금 자신의 작업이 하나의 전환기를 지나고 있다고 느낀다. 이미 형성된 조형 언어 위에 서 있으면서도, 그것을 반복하는 데 머물지 않고 그 조건을 다시 질문하는 시점. 검은 구체는 여전히 화면에 존재하지만, 그것이 놓이는 공간과 밀도, 관계의 방식은 조금씩 이동하고 있다. 이번 개인전은 완결된 선언이 아니라, 변화의 과정이 가시화된 장에 가깝다.

《Immaterial: What Remains》에서 ‘남아 있는 것’은 물질로 환원되지 않는다. 그것은 사라진 감정 이후에도 남는 흔적이며, 한 작가가 자신의 언어를 통과하며 붙들고 있는 질문의 상태다. 화면 위의 구체가 점차 옅어지더라도, 그 자리를 지나간 시간은 지워지지 않는다. 남는 것은 형태가 아니라, 형태를 가능하게 했던 감각과 기억의 밀도다.

이 전시는 묻는다. 경험이 지나간 뒤, 감정이 휘발된 뒤, 작업이 하나의 국면을 넘어선 뒤에 — 무엇이 남는가. 그리고 그 남아 있음은 지금 이 순간, 어떻게 다시 시작되는가.

Alongside his paintings, Park has previously extended his practice into performance rooted in painterly gestures. Movements of the body originating from the canvas served to expand the act of painting into lived time. His paintings retain a latent performative sensibility: the repetitive acts of applying, layering, and erasing ink reveal time as process rather than presenting image as result. The painting is not a completed object, but a state that continues to vibrate where an event has passed.

The ceramic panel works presented in this exhibition further expand this inquiry into another dimension. Drawn upon clay and transformed through fire, these works rearticulate the relationship between time and material. Though the surface appears fixed after passing through the event of fire, traces of diffusion and condensation remain embedded within it. Emotions that seemed destined to disappear are transposed into another form; volatilized memories persist beneath the surface.

The artist senses that his practice is currently undergoing a period of transition. Standing upon an established visual language, yet refusing to remain within repetition, he re-questions its very conditions. The black spheres still inhabit the surface, but the spaces, densities, and relational structures they enter are subtly shifting. This exhibition is less a definitive statement than a site where change becomes visible in process.

In 《Immaterial: What Remains》, what remains cannot be reduced to material substance. It is the trace that lingers after emotion has faded, the state of inquiry that an artist continues to hold as he moves through his own language. Even if the sphere on the surface gradually fades, the time that has passed through it cannot be erased. What remains is not form, but the density of sensation and memory that made form possible.

This exhibition asks: After experience has passed, after emotion has dissipated, after a body of work has crossed into another phase — what remains? And in that remaining, how does something begin again, here and now?

Since my early works, I have approached life through the form of the sphere. The sphere is not a singular symbol, but a device that embodies the process through which life condenses, separates, and flows again. The ways in which spheres linger, move, and form relationships within the pictorial space reveal my perspective of life not as a fixed entity, but as a continuously transforming process.

This inquiry began within painterly form and gradually expanded through structural elements that compose the image—windows, walls, and architectural frames. The window organizes the boundary between interior and exterior, present and past, while simultaneously functioning as a device that reveals life as a multilayered structure where time, memory, emotion, and the body overlap and operate together. Within this visual environment, layers of ink carry the pressure of time and the flow of sensation, becoming a central element that discloses the points at which existence shifts form and momentarily resides.

What unfolded in painting naturally extended into performance and installation. The layered surface alone could not fully capture movements of time or subtle tremors of being, and I sought to reengage these through the body and space. Performance makes visible the structures of life through the traces left by a single act, opening a different mode through which temporality and formal flow—previously constructed within painting—expand into lived space.

My recent works focus on observing how these multilayered structures of life relate to and transform one another. The flows left by spheres, the perspectives organized by window structures, the temporal pressure created by layers of ink, and the moments when bodily traces intervene—through these elements, I reflect on life not as a simple continuity or linear progression, but as a nonlinear structure in which different times and sensations overlap. The inquiry into when, how, and in what direction the elements that constitute life transform will continue to unfold in my future work.