이를 이해하기 위해서는 오마주, 패러디, 표절이라는 개념을 비교해 볼 수 있겠습니다.

세 단어 모두 창작자가 ‘다른 작가의 작품을 차용해서 작업에 넣는 행위’는 동일합니다.

먼저, 오마주는 프랑스어로 '존경'이라는 뜻인만큼, 원작자에 대한 존경을 담아 원작의 요소를 차용하는 방식이고, 패러디는 기존의 창작물을 살짝 비틀어 새로운 의미를 부여하는 작업 방식입니다.

표절의 경우는 다른 작업자의 독창적인 방식이나 조형언어를 마치 자신이 만든 것 마냥 사용하는 것인데, 이 부분에 대해 법적으로 인정받을 수 있다면 좋겠지만 아무래도 한계가 있는 것이 사실입니다.

두 작품이 아주 유사한 형태를 띄더라도 전체적인 작업 과정은 다를 수 있고, 작가가 표현하고 싶은 의미를 담아낸 방법에서도 다양하게 해석될 여지가 있기 때문입니다.

다만, 작가로서 꾸준히 자신의 작업물에 대한 오리지널리티를 남기는 것은 매우 중요합니다. 과거에는 개인전이나 전시 도록을 남겼던 것 처럼, 요즘에는 거기에 더해 SNS 게시물과 같은 온라인 형태의 아카이빙을 꾸준히 남겨 자신의 작품세계를 기록해두고, 다른 사람들에게도 그 기록을 공유하면 더욱 도움이 될 것 입니다.

미술품 가격을 결정하는 요소 중 하나로 ‘희소가치’가 있는데요. 말 그대로 작품을 수요하는 사람들이 얼마나 많은가에 따라 작품 가격이 결정되는 것입니다. 만약 국내외 많은 미술관과 컬렉터들에게 사랑받았던 작가님이라면, 작고하신 뒤에는 더이상 작품들이 나오지 않는데 소장하고자 하는 사람들은 꾸준히 있고 작품의 수는 한정되니 작품 가격이 올라가는 경우가 있습니다.

하지만 얼마나 상승할지는 같은 작가여도 작품에 따라, 그리고 그 당시 시장 상황에 따라 천차만별인 부분이라 정량적으로 산정하긴 어려운 부분이 있습니다.