운 좋게도 최근 씨샵레터 팀은 경복궁이 훤히 내려다보이는 곳으로 일터를 옮겼습니다. 점심 먹고서는 열린송현녹지광장을 산책합니다. 잔디밭을 가르는 오솔길 곳곳에 세워진 설치미술작품이 호기심 어린 발걸음을 붙잡는 곳이지요. 그러고 보면 우리는 미술관이 아니어도 일상 곳곳에서 예술작품을 누립니다. 이런 걸 공공예술이라고 부르죠. 그런데 소리연구를 오래 해 온 우리 연구소는 궁금했습니다. “소리를 바탕으로 한 ‘공공 사운드아트’는 가능할까?” 하고요. 이런 물음에서 시작한 연구 프로젝트가 〈Sound ∙ Art ∙ Life: 사운드아트를 일상으로〉입니다. 지난 월요일 첫 번째 세미나를 마쳤어요. 이어질 세미나와 학술대회도 함께해 주세요.

장정윤

이번 『音.樂.學 (음.악.학)』 44호에는 단 세 편의 논문이 실렸는데요, 이중 어느 하나 PICK하기가 어려워 이번 호를 관통하는 문제의식 전반을 리뷰하려고 합니다. 이들 논문 세 편을 가로지르는 키워드를 꼽아 보자면 “여성, 근대, 한국”인데요, 각 논문의 연구대상과 관점이 다 다르긴 하지만 비슷한 주제를 공유하고 있습니다.

먼저 변화음의 논문은 서구 철학의 전통에서 ‘몸’은 ‘정신’에 비해 열등한 것으로 여겨졌으며 ‘여성’은 남성의 타자이자 ‘몸’ 그 자체로 환원되어왔다는 전제에서 출발하여, 대중음악 속 여성 가수는 ‘몸’과 ‘여성’의 이중 억압에 놓여있다고 주장합니다. 그런 다음 2005년 공개된 보아의 <걸스 온 탑>을 사운드, 뮤직비디오, 퍼포먼스의 범주로 나누어 분석하고, 이를 토대로 전형적인 상업 음악의 여성 가수의 활동이나 작업과 달리 <걸스 온 탑>이 저항적이고 주체적인 여성의 면모를 강조한 것으로 봅니다. 장정윤의 논문은 1920-30년대 ‘유학’을 경험한 최초의 한국 여성음악가들에 주목하여, 그들의 음악 활동을 ‘근대성’과 연결하여 살펴 봅니다. 저자는 이들이 개인의 자아 실현에 대한 욕구와 교육 및 계몽에 대한 사회의 요구 사이에서 각자 나름대로 ‘근대성’을 발현했다고 결론 내립니다. 마지막 조윤영의 논문은 일제 강점기 조선의 수도 경성이라는 공간에서 소리와 음악이 어떤 방식으로 소비되고 수용되었는지를 밝히고자 합니다. 결론적으로 논문은 서구화가 최단시간에 극단적으로 추구되던 경성었기에 ‘근대화’의 일환으로 서양의 사운드와 음악이 전통음악을 대신하여 우리의 음악적 모국어로 자연스럽게 자리를 잡았다고 주장합니다.

세 편의 논문을 읽으면서 일면 공감이 되기도 하는데요, 또 근본적인 질문을 던지고 싶기도 합니다. ‘몸’과 ‘정신’이 분리되어 있다는 근대적 사고가 아직도 유효한가? 현대에 이르러서는 인간의 인식능력을 수행하고 발현하는 최종 장소로서 ‘몸’의 의미가 변화하지 않았던가? 1920-30년대 여성의 음악 활동에서 ‘유학’은 무대 위 음악가로 서기 위해 필요한 것이라기 보다 사실상 교육자로서 자리잡기 위한 것이지 않은가? 이것 역시 ‘근대성의 발현’으로 볼 수 있는가? 서구화를 근대화와 동일시하는 관점에 대한 비판이 이미 한참 전에 제기된 현 시점에서 서구화의 일환으로 서유럽의 음악 문화를 적극적으로 수용한 것을 근대화라 읽을 수 있는가? 제가 던진 질문에 공감하신다면, 논문을 읽으시면서 비록 가상이긴 하지만 저와 토론해 보도록 해요😊

Juan Carlos Ponce Reyes

1982년 개봉한 리들리 스콧 감독의 영화 <블레이드 러너>는 40여년이 지난 지금까지도 이른바 ‘사이버펑크’ 장르의 지평을 연 작품으로 평가받고 있습니다. 영화 시놉시스상의 시대적 배경은 2019년 미국 로스앤젤레스. 하지만 영화를 보는 내내 마주하는 장소가 ‘미국’이라는 사실을 의식할 수 있는 순간은 많지 않습니다. 등장인물 대부분 영어로 대화하지 않았다면 예컨대 미래의 동경이라고 해도 믿을 수 있을 정도. 물론 이러한 관찰은 스모그로 뒤덮인 고층 빌딩과 네온사인 가득한 도시의 시각 정보에 기반한 것이지만 영화 속 상상된 미래 도시를 구현하는 데 음악과 소리가 한 몫한다는 사실에 의문을 제기하는 이는 많지 않습니다. 하긴 반젤리스의 스코어를 두고 어떻게 국적을 논하겠어요. 비단 영화만의 문제는 아닙니다. 이러한 ‘국적 불명’의 세상은 게임 안에서도 펼쳐집니다. 그리고 그 공간을 채우는 음악과 소리는 종종 게임 속 세상의 핍진성(verisimilitude)을 설계하는 데 유의미한 역할을 하지요. 논문의 저자 마티아 메를리니는 동서양의 다양한 문화가 충돌하며 만들어진 일본 비디오 게임과 음악을 ‘무국적’(statelessness) 개념을 바탕으로 설명하려 합니다. 메를리니의 연구를 요약하면 일본 비디오 게임과 애니(anime)에서 종종 들을 수 있는 이 음악은 일본 음악도, 서양 음악도 아닌 ‘절충적’으로 탄생한 ‘무국적’ 음악이라는 것. 자세한 내용은 논문에서 확인하시길 바랍니다.

💿 Blade Runner: Main Titles · Vangelis

Callum G'Froerer

Tempo의 이번 호는 작곡 방법론을 다룹니다. 구체적으로는 작곡가들이 작품을 다루는 ‘달라진’ 작업 방식을 엿보는 겁니다. 이 달라진 작업에서 새로운 작곡 규범을 확립하려는 의지도, 작곡에 대한 새로운 사고방식이나 아이디어를 접목하려는 시도도 나타납니다. 특히 오페라 창작에 ‘분산된 창의성’(distributed creativity)이라는 개념을 접목해 여러 창작 주체들이 협력하는 방식을 관찰한 논문이 눈에 띄는데요. 이 논문의 저자들은 오페라 〈나는 나르시스트에요〉(Je Suis Narcissiste)를 창작하면서 복잡한 협업에 의존하는 오페라 작곡에서 공동 창작의 역동성이 어떠한 긍정적 결과를 도출하는지 살핍니다. 작곡가와 대본가, 무대 감독이 병행 작업을 거쳐 작품을 교차 수정하고, 실질적으로 일어날 문제를 예측, 해결하는 과정에서 대본의 수정도 마다하지 않으며, 견고한 작품이 완성되는 과정을 추적하는 것이죠. 저자에 따르면 예술 창작의 절대적 자아, 유일한 존재로서 작곡가에 대한 관념을 제쳐두니 역설적으로 바그너가 그토록 원했던 종합예술작품으로서 진정한 협업이 이루어지더라는 겁니다. 협업이 공동 창작으로 이어지며 실제로 유의미한 예술적 결과로 이어지는 과정, 매력적이지 않은가요?

Hedy Law (Convenor), Olivia Bloechl, Jessica Bissett Perea, Alexandria Carrico, Parkorn Wangpaiboonkit, Pablo Palomino, Daniel F. Castro Pantoja

최근 음악학 여기저기서 ‘전 지구적 음악사’(global music history)라는 단어가 심심치 않게 보입니다. 정치적 올바름의 시대, 우리가 지금껏 배워온 서양음악사가 그 외연을 서양 바깥의 세계로 확장하려는 것일까요? 이 포럼은 전 지구적 음악사를 시도하는 이들의 집단적 목소리를 경청할 수 있는 소중한 기회인 것 같습니다. 이 포럼에 참여한 일곱 학자들의 글은 지난 2021년 미국 음악학 학회(AMS) 연례 학술대회에서 학회 스터디 그룹인 ‘전 지구적 음악사’ 그룹의 라운드테이블로부터 탄생했습니다. ‘불편을 중심화하기’라는 이 포럼의 제목은 이들이 지향하고 있는 지점이 단순히 연구 대상의 확장이 아님을 보여줍니다. 서로 다른 세계가 만나는 순간, 불편함이 발생합니다. 1885년 태국의 출라롱콘왕이 궁정 음악인들을 1885년 런던 엑스포에 보냈을 때, 영국의 학자 알렉산더 엘리스(1814-1890)는 이들의 소리로부터 태국 음계를 만들어 내려 하지만 실패합니다. 그러자 태국의 외교관은 창의적이게도 태국 음계는 일곱 개의 등거리 음으로 구성되어 있다는 대답으로 태국 문명의 우수성을 증빙하죠. 그러나 그 문화적 우수성은 엘리스의 세계 속에서, 다시 말해 서양음악이 구축한 세계에 길들여진 우수성이었습니다. 태국의 궁정 악단이 초래한 불편함이 서구 사회에 길들여진 음악 지식을 만든 순간이었습니다. 다양한 문화권 출신의 일곱 저자들은 자신의 고향과 관계된 공간에서 발생한, 다양한 시대에 걸친 음악과 소리가 만들어 낸 ‘불편함’들을 다룹니다. 인종, 국가, 민족 등의 경계를 가로지르는 사람들 사이에서 발생했던 소리를 통한 연결지점을 살펴봄으로써, 7명의 저자들은 소리와 관계된 지식의 생산을 탈중심화하는 데에 도전합니다.

Sound ∙ Art ∙ Life: 사운드아트를 일상으로

공공 사운드아트는 가능할까요? 가능하다면 어떤 방법, 어떤 형태로요? 연구 프로젝트 〈Sound ∙ Art ∙ Life: 사운드아트를 일상으로〉는 사운드아트를 전시장 밖으로 꺼내보려는 시도입니다. 일상에서 접하게 되는 소리환경을 적극적으로 디자인해 공공장소의 소리환경을 쾌적하고 심미적 가치를 지닌 공간으로 만들기 위한 기초연구에요.

지난 13일 월요일에 열린 첫 번째 세미나에서는 레코딩 아티스트 김영선 선생님과 작곡가 김태희 선생님이 무척 흥미진진한 이야기를 들려주셨어요. 앞으로 이어질 세미나와 학술대회 모두 열려있습니다. 자세한 내용은 여기를 눌러 확인할 수 있어요.