📌 프랑스로 건너간 이탈리아의 슬픈 음악

지난 주말 저녁, 외식하고 집으로 돌아가는 길이었어요. 웬일인지 바람이 선선하더라구요. 한동안 외출만 하면 숨 막히는 바깥 공기에 정신 차리기 힘들었는데. 설마하니 벌써 더위가 한풀 꺾인 건가 싶었어요. 이번 더위가 하도 강렬해 그런 걸까요. 좀 슬퍼졌어요. 그 선선한 공기는 마치 이런 느낌이었거든요. 웬 꼬장꼬장하고 뚝심 있던 옹고집 할아버지가 이제는 기력 잃고 노쇠해 멍한 눈을 하고 나를 바라보는 것 같은. 미쳤나 봐요. 저도 모르게 이렇게 말하고 말았어요. “힘을 내, 더위야. 아직 여름 한가운데라구. 힘을 빼긴 일러!”

87호 C♯'s PICK

현대음악, 새로움에서 지속가능성으로
프랑스로 건너간 이탈리아의 슬픈 음악
브루크너, 장엄한 음악 건축의 설계자
다른 존재를 듣는 몸

씨샵레터 소식

[씨샵레터 X 곰출판] 『듣기의 철학』 서평 필진 모집
음악학 전문 학술지 『음악논단』 원고 모집

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Tempo, Volume 78, Issue 309

Jane Stanley, Judith Bishop

‘I am a Textural Composer’: Jane Stanley on the Creative Process, Immersive Textures, Glow and a New Song Cycle

Thomas Simaku

Thinking Aloud: The Solioquy Cycle

Jaslyn Robertson, Solomiya Moroz, Cat Hope, Craig Vear, Iran Sanadzadeh, Helen Svoboda and Chloë Sobek

Transforming Practice with Digital Scores: Developments and Challenges in a Transcontinental Residency

Mark Fitzgerald

Getting out of the Labyrinth: Gerald Barry’s Wiener Blut and the Pathe to Petra von Kant

Harald Muenz, Anton Lukoszevieze, Eleanor Cully Boehringer, Walter Zimmermann and Phil Maguire

Movements of a Musician Working: Phill Niblock (1933-2024)

Joe Bates

Proportion and Symmetry as Mutual Antagonist in Tuning: Some Quarter-Tone Resources

Niamh Dell

Habitus, Resistance and the Prodection of Musical Meaning

Christopher Fox

New Music and Sustainability

📌 현대음악, 새로움에서 지속가능성으로

Christopher Fox, New Music and Sustainability

현대 음악의 정체성은 새로움new에서 비롯된다고 정의해도 과언이 아닐 정도로, 20세기 이후의 음악에서 과거의 것과는 다른 새로운 양식, 형식, 조성, 작곡 기법 등은 작품의 가치와 의미를 결정하는 데 매우 중요합니다. 작곡가이자 음악 관련 작가로 활동 중인 크리스토퍼 폭스는 이 논문에서 현대음악의 혁신과 지속 가능성의 연결고리에 대해 질문을 던집니다. 즉 ‘단순히 새로 만들어진 것이 아니라 아도르노의 개념인 진보적이기에 ‘역사적 우선권’을 갖는 새로운 음악이 이 기후 위기의 시대에 지속 가능한 미래로 나아가기 위해서는 어떤 전략과 방식이 필요한가’와 같은 질문 말입니다.

저자는 먼저, 19세기부터 20세기까지 음악 혁신이라는 가치 아래, 도덕적으로 논란을 일으킬 만큼 과시적인 자원 소비가 신음악의 상징이었음을 지적합니다. 그렇지만 최근에는 이와 같은 상황과 다르게, 음악을 만들고 연주하는 방식에 있어서 ‘지속가능성’을 염두에 두는 음악적 시도들을 찾아볼 수 있다고 주장합니다. 특히 폭스는 자신의 작품 세 편을 예로 들어, 현대 음악에서 지속가능성이 작곡 원리에 어떻게 적용되는지를 설명하는데요, 〈The Calm of Mountains〉2018에서는 점진적 발전 원리를 유기적 구조에 투영하였으며, 〈This has Happened Before〉2020에서는 악기의 고유적 특성을 기반으로 하는 음향 장치를 활용합니다. 즉 무조건적인 ‘혁신’ 대신, 음악의 구조나 악기의 매커니즘을 활용한 지속적 ‘듣기’를 통한 이해가능성을 추구한다고 할까요?

2022년 작품 〈Hieroglyphs〉는 이집트 상형문자의 해독과정에 비유하여 이해 불가능한 기호에 불과한 음이 음악적 맥락 속에서 점차 의미를 획득하는 과정을 은유적으로 그립니다. 이를 통해 작곡이 단순히 소리를 만들어내는 작업이 아니라, 음의 재생산을 통한 이해의 지속 가능한 구조가 될 수 있음을 보여줍니다. 폭스의 작품은 우리 시대의 빅 이슈 중 하나인 지속가능성을 음악적으로 어떻게 실천할 것인지 화두를 던지고 그 모델을 직접 제시하고 있다는 점에서 주목할 만 합니다. 관심이 있으시다면, 그의 음악 〈Hieroglyphs〉를 들으며 이 논문을 읽어보시는 건 어떨까요?

💿 Ensemble SEV - Christopher Fox: 〈Hieroglyphs〉 No. 1 Shamal

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음악이론연구, 43권

정경영

샤르팡티에(Marc-Antoine Charpentier, 1643-1704)의 종교음악, 혹은 음악적 근대의 잃어버린 고리: ≪마니피캇≫(Magnificat) H73을 중심으로

김경은

하이든 건반 협주곡의 성격과 독주악기에 관한 연구

허지연

한국 근대 피아노계의 형성 과정 연구

김원명

2022∼2024 독일⋅오스트리아 주요 오페라하우스 프로그래밍 사례 연구: 빈⋅라이프치히⋅뉘른베르크를 중심으로

📌 프랑스로 건너간 이탈리아의 슬픈 음악

정경영, 샤르팡티에(Marc-Antoine Charpentier, 1643-1704)의 종교음악, 혹은 음악적 근대의 잃어버린 고리: ≪마니피캇≫(Magnificat) H73을 중심으로

💿 Les Polysolistes - Marc-Antoine Charpentier: Magnificat à trois voix d’hommes H 73

‘프랑스 바로크 음악’ 하면 무엇이 떠오르시나요? 서양음악사를 공부하신 분들이라면 태양왕 루이 14세를 향하고 있던 베르사유 궁전의 호화롭고 사치스러웠던 음악 문화를 떠올리지 않으실까 생각합니다. 하지만 이 논문은 샤르팡티에의 종교 작품, ‘마니피캇’에 대한 논문이에요. 저자가 이 아름다운 음악에 주목하는 여러 가지 이유 중에서도 가장 눈길을 끄는 것은 이 작품에서 사용된 하행 4도의 오스티나토입니다. 하행 4도의 오스티나토는 가사의 ‘슬픔’을 표상하는 음악적 장치로 잘 알려져 있죠. 그리고 이 음악적 전통의 핵심에는 이탈리아 음악이 있습니다. 저자는 샤르팡티에가 이 작품에서 이탈리아적인 장치인 하행 4도의 오스티나토를 나름의 독특한 방식으로 처리하고 있음을 관찰합니다. 그리고 그 문화적 뿌리를 샤르팡티에의 삶과 음악을 둘러싼, 프랑스와 이탈리아 사이의 묘한 경계의 흔적들에서 찾습니다. 분명하다고 생각했던 두 문화적 경계가 불안정해질 때, 흥미로운 음악적 성찰이 시작됩니다.

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음악이론포럼, 31권 2호

전하림, 나주리

바로크 오페라의 그로테스크: 몬테베르디의 ≪포페아의 대관≫을 중심으로

나주리

유럽 근대 여자수도원 ‘여성음악가’의 음악 삶: 음악교육을 중심으로

강용식

아리아를 통해 살펴본 등장인물의 관계: ≪루치오 실라≫의 체칠리오를 중심으로

김현주

리스트의 라코치(Rákóczi) 재작업과 그 의미

김선빈

브루크너의 소나타 형식 구상과 미해결 재현부 문제: ≪교향곡 제7번≫ 1악장의 사례를 중심으로

유지민, 김유진

단계적 음악 비평 교육을 위한 교수⋅학습 모형 개발 연구: 고등학교 진로 선택 교과 ‘음악 감상과 비평’을 중심으로

📌 브루크너, 장엄한 음악 건축의 설계자

김선빈, 브루크너의 소나타 형식 구상과 미해결 재현부 문제: ≪교향곡 제7번≫ 1악장의 사례를 중심으로

브루크너 교향곡 제7번(E장조) 제1악장 마디 1-24. © 김선빈, “브루크너의 소나타 형식 구상과 미해결 재현부 문제: ≪교향곡 제7번≫ 1악장의 사례를 중심으로” 『음악이론포럼』 31/2, p. 137.

브루크너의 교향곡을 들으면 마치 거대한 성당에 들어선 듯한 웅장함과 경건함에 압도되곤 합니다. 하지만 그의 음악은 오랜 시간 비평가들에게 ‘아름답지만 어딘가 어색한’, 심지어 ‘형식적으로 결함이 있는’ 음악이라는 오해를 받기도 했습니다. 특히 소나타 형식의 재현부, 즉 모든 갈등이 해결되고 안정감을 찾아야 할 부분에서 브루크너는 종종 기대를 저버리고 조성의 불안을 해소하지 않은 채 음악을 끝맺는 듯한 인상을 주었기 때문입니다. 이러한 ‘미해결 재현부’를 두고 어떤 학자들은 독실한 가톨릭 신자였던 그의 신앙심에 빗대어 ‘인간의 실패와 신의 구원’이라는 종교적 서사로 설명하기도 했습니다.

하지만 정말 그의 음악적 선택이 음악 외적인 요소로만 설명될 수 있을까요? 김선빈 박사의 논문은 이러한 오랜 통념에 도전하며, 음악 자체의 형식적 논리로 브루크너 작품의 진가를 밝힙니다. 요컨대 브루크너가 소나타 형식의 규칙을 몰랐던 것이 아니라, 오히려 그 규칙을 자신만의 거대한 서사를 위해 창조적으로 재구성한 ‘건축의 대가’였다는 것. 이 논문에 따르면 브루크너의 독특한 형식은 세 개의 주제로 기나긴 여정을 시작하고, 발전부에서 코다에 이르기까지 점진적으로 귀환하며, ‘불협화적 대립구조’를 통해 전개되는 큰 그림으로 이해할 수 있습니다.

전문적인 분석 논문이지만 그 논리는 명쾌하고 흥미진진합니다. 브루크너의 음악을 사랑하는 이라면 누구나 한 번쯤 가졌을 법한 ‘왜 그의 음악은 이런 식으로 들릴까?’라는 질문에 설득력 있는 답을 제시합니다. 이 연구를 통해 우리는 브루크너가 단순히 감성적인 작곡가가 아니라, 누구보다 치밀한 논리와 거대한 구조를 바탕으로 자신만의 음악 세계를 구축한 위대한 설계자였음을 깨닫게 됩니다. 브루크너 교향곡이라는 장엄한 건축물의 숨겨진 설계도를 엿보고 싶은 모든 분께 이 논문을 강력히 추천합니다.

📝editor’s notes

이 논문은 『음악이론포럼』 홈페이지에 전문이 공개되어 있어요. 여기를 눌러 더 많은 내용을 살펴보세요.

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Journal of Sonic Studies, Volume 25

Ethnographic Rubbish

J onathan Larcher and Heikki Wilenius

Introduction: Exploring the Phenomenon of Sonic Waste in Anthropology

Victor A. Stoichiță

How to Fail a Field Recording: An Ethnomusicologist’s Perspective

Julie Métais

Sound Scraps and Resources of Ethnographic Writing

Heikki Wilenius

Authoring Noise, Noising Authority: Loudness and Oratory in an East Javanese Family Gathering

Sandro Simon

Touching Excess: Haptic Sound from the Multispecies Delta

Jonathan Larcher

(Back)ground Noise: A Multimodal Ethnography of Loudspeakers in a Roma Neighborhood

📌 다른 존재를 듣는 몸

Sandro Simon, Touching Excess: Haptic Sound from the Multispecies Delta

조개를 찾기 위해 진흙과 물, 바람과 생명들 사이를 온몸으로 가로지르는 여성 채집자들, 이들에게 듣기란 무엇일까요? 이 논문의 저자 산드로 지몬Sandro Simon은 세네갈 서쪽 해안의 생태적 지역인 시네 살룸 델타Sine-Saloum Delta에서 조개를 채집하는 여성들의 행위를 통해, 듣기를 단순히 ‘귀’에만 국한하지 않고 몸 전체로 수행하는 감각적 실천haptic practice으로 해석합니다. 이들은 조개의 감촉을 손끝으로 느끼고, 바닷물의 흐름과 동료의 몸짓, 바람과 진흙의 밀도를 전신으로 감지하며 일합니다. 물속에 잠긴 몸은 귀로만 소리를 감지하지 않습니다. 진동은 뼈를 타고 흐르고, 촉각과 운동감각은 공간과 타자를 가늠하게 합니다. 이때 소리는 단순히 귀로 읽어내는 정보가 아니라, 존재들 사이를 흐르는 살아 있는 리듬이 됩니다.

저자는 이러한 청취 방식을 “햅틱 리스닝”haptic listening이라 부릅니다. 청각의 한계를 넘어 소리를 몸으로 느끼는 이 감각은 인간과 비인간, 환경과 신체가 뒤엉킨 감각의 관계망을 드러냅니다. 여기서 저자는 넘침의 감각, 이를테면 너무 크거나 흐릿하거나, 마이크로 포착되지 않는 ‘과잉 감각’에 주목하며 이를 통해 인간 중심적 감각 질서를 흔듭니다. 조개의 미세한 움직임, 동료의 방향성 없는 말소리, 바람이 밀어내는 진흙의 밀도처럼 명확히 구분되지 않거나 포착하기 어려운 자극들은 전통적 감각 체계에서는 흔히 ‘쓸모없음’으로 분류되기 쉽지만, 이 논문은 그러한 감각의 넘침이 오히려 주의 깊은 감지와 섬세한 반응, 타자와 환경에 대한 새로운 연결을 일깨우는 감각적 계기가 될 수 있음을 보여줍니다. 듣기는 타자와 환경에 민감하게 반응하고 관계를 형성하는 생태적 감각 실천일 수 있다는 것입니다.

다만 이러한 감각 실천이 생태적 관계로 이어지기 위해서는, 감각을 통한 연결이 생태적 배려로 확장될 수 있어야 하겠지요. 조개의 감촉과 바람의 밀도를 감지하는 일만큼, 그러한 감각이 생태적 균형 속에서 어떻게 작동하고 있는지도 함께 돌아볼 필요가 있습니다. 듣기를 다시 생각하고 싶다면, 감각의 질서를 다시 묻고 싶다면, 몸의 감각을 따라 이 논문을 읽어보시길 권합니다. 지금, 소리는 당신의 어디에 닿고 있나요?

📝editor’s notes

온라인 저널에서 발행된 이 논문은 지금 전문 학술지 웹페이지에서 원문 및 음원을 직접 확인해 볼 수 있어요. 여기를 눌러 더 많은 내용을 살펴보세요.

📬 씨샵레터 소식

📣 [씨샵레터 X 곰출판] 『듣기의 철학』 서평 필진을 모집합니다

씨샵레터 지난호에서 신간 『듣기의 철학: 우리는 무엇을 듣고, 듣지 않는가』 출간 소식 전해드렸는데요. 씨샵레터는 이 책을 펴낸 곰출판과 함께 서평단을 모집합니다. 이번 서평 공모에서는 씨샵레터의 주요 콘텐츠인 PICK, VIEW, LISTEN 세 코너의 성격에 걸맞는 글을 작성할 필진을 찾습니다. 당선된 필진의 서평은 씨샵레터 발행 4주년을 맞이하는 올해 10월 특집호로 발행될 씨샵레터에 정식으로 실릴 예정이며, VIEW와 LISTEN은 씨샵레터 홈페이지에도 공식적으로 게재됩니다. 지난 4년간 한양대학교 음악연구소 전문 연구진으로 구성된 필진들이 채워온 씨샵레터의 지면을 오는 10월, 님의 글로 빛내주세요✨

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📣 음악학 전문 학술지 『음악논단』에서 원고를 모집해요

한양대학교 음악연구소에서 발간하는 음악학 전문 학술지 『음악논단』 제54집에 게재될 원고를 모집하고 있어요. 특히 이번부터 『음악논단』은 비평 원고도 모집을 하고 있으니, 아래의 내용을 확인 후 원고를 투고해 주세요. 음악학자, 특히 음악(학)을 전공하는 석박사 대학원생의 투고를 적극 권장합니다! 투고 규정 등 더 자세한 내용은 여기를 눌러 확인할 수 있어요.

📝 모집 원고

❶ 학술 논문

- 주제 | 음악학의 제분야(음악사, 음악이론, 음악인류학, 음악철학, 음악미학, 음악심리학, 음악사회학 및 관련 융합 연구)

❷ 비평 원고

- 주제 | 시론, 서평, 공연평, 학술대회 비평을 포함

- 분량 | 200자 원고지 기준 80매 이내

📝 제출 서류

❶ 투고 신청서

❷ 작성 원고, 연구윤리 서약서

❸ KCI 문헌유사도 검사 결과 (‘카피킬러’ 등 표절 검사 프로그램의 보고서)

📝 투고 방법

❶ 투고 신청기간 내 논문 투고 신청서를 메일로 제출